现当代艺术还需要素描吗？
素描是显性表达图式造型的表现，在西方的绘画中有一定的训练规范；同时素描也是对客观形态的理性认识和表述，通过素描充分理解自然与空间的关系。
传统、经典的绘画和素描密切相关。而抽象、装置、行为等现当代艺术不需要有精准的造型能力，素描所塑造的空间、表现的质感也并不重要。从法国艺术家杜尚把便器颠倒放置在美术馆，并说人人都可以做艺术家开始，就已经把素描基础和基本的造型能力给抛弃了。
当下，这个曾在艺术中起到重要作用的素描是否还被需要呢？
素描经过相当长的历史才走到今天。它的源头在古埃及、古希腊，甚至可以往前追溯到原始社会。原始人在石壁上、岩石上用线刻下人类相关的飞禽、走兽、奔跑、放牧、狩猎等造型、图式，或许这是最早的“素描”。
素描最初的功能是为宗教服务，在教堂画壁画时，用铅笔、炭条起稿，打轮廓，后来渐渐发展成可以单独成为作品的素描。文艺复兴时期乔托、达·芬奇、米开朗基罗等高手，研究透视、空间、塑造等，用科学的理论、方法去进行素描，为艺术创造了质朴、清新、庄严、厚重的审美境界。
当素描摆脱以往所谓的打轮廓、作为绘画的依托后，单独的素描逐渐形成。作为独立意义的“素描”，形式是多样的。我见过达·芬奇画的发明设计小稿，这种用铅笔勾写在纸上，有造型、明暗、线条，那是一种素描；米开朗基罗画“创世纪”天顶画时也有小稿，或者是在大理石上凿大卫、基督受难等雕塑，都有设计草图，我认为也可以作为素描成立。
阿道夫·门采尔是天才的素描能手，以《轧钢工厂》为例，那生动的线条、精准的解剖、还有营造的气氛，是那个时代的领军人物；鲁本斯沿承古典主义的用笔方式、细节表现，造型优美、别致独特，其素描人物神态生动传神，能精准捕捉营造画面流动感，使静态素描充满内在生命力，体现巴洛克风格的宏伟与激情；伦勃朗的素描厚重，他用明暗法表现的光富有神韵，其素描逐渐扩大了空间、人物、场景的描绘，那些细部的表现令人叫绝，特别是风景素描，包括铜版画，更具有高贵气息；古典主义画家安格尔的素描规范、强化线条，在作品中着眼于线和素描关系的悉心研究，他认为素描是真正的艺术；而珂勒惠支是一个以素描形式创作的艺术家，她关注生命意义和价值的追寻，其素描单纯、坚韧、精炼，有个性、有情感，激情澎湃，创造出独特的形式语言，在世界素描史中占有重要的地位。
19世纪开始，素描扩大表现日常的生活场景。随着绘画历史发展，各种流派，形式，风格多变，都没离开过素描。浪漫主义的德拉克洛瓦，表现主义的蒙克等画家，他们塑造物体从严谨的表现到放松的写意，素描是基本的支撑；印象派画家莫奈、毕沙罗描绘的光，米勒画的带着情感的《拾穗者》，是另一种形式的素描；立体派画家毕加索、勃拉克的立体组合，都是有风格、形式的素描；柯罗、安德斯·佐恩、马蒂斯、费钦的素描，有着强烈的个性表达；席勒16岁画的素描、速写，显现了他的天才；纳比派、野兽派，包括克林姆特创立的维也纳分离派，他们的素描主张打破传统学院派的束缚，强调艺术自由与创新，也都带上时代烙印。
随着时代发展，素描不断扩大样式、风格，现当代艺术成为世界艺术的主流，素描的形式也在不断变化。日本浮士绘对于西方绘画的影响，逐渐改变对素描的认识，东方的美学、禅宗艺术、土著艺术、少数民族纯粹的情感融入线条、块面，使素描又重新溯回源头，岩画、壁画等艺术表现形式赋予素描新的意义。
在东方，中国的艺术和素描早就结缘。中国早期的“素描”是线，以线的疏密扩展为一幅幅图画。西汉时期出现的线描壁画，在壁画中以线条勾勒手法表现人物、景物，这和西班牙、法国洞穴壁画极为相似。北魏、唐、五代时期在绢、纸上广泛应用的是线，并逐渐形成以书法线条为特色的水墨素描体系。外师造化、中得心源，不求像与不像、准与不准，心中所求的，是意象，是气韵生动。所谓素描已扩展到玄学、禅学，审美认知、东方美学等，我们从古希腊、古罗马的雕塑和中国雕塑的区别上能看到。
明代意大利传教士将西方素描带入，逐步引进素描课程，包括人体写生等，让素描有了新的天地。上世纪二三十年代徐悲鸿、林风眠、刘海粟、颜文樑、关良等去欧、美、日本留学，学成归来传播西方艺术，素描渐渐受到人们的关注和喜爱，也慢慢和中国绘画与审美融合。上世纪70年代，素描在中国蓬勃兴起，沪上素描、速写研习热情高涨，西画教学出现崭新面貌。素描作为基础绘画训练的一种图式，也慢慢把素描纳入独立、独幅的模式。这个时段，涌现出一批优秀的素描人才，沿承西方的素描在中国开出一朵朵鲜花。
素描发展一路过来，并还在继续。我以为它与现当代艺术仍有密切关联，不过是改变了面孔和理念与我们相遇罢了。现当代艺术包括装置、行为、抽象等艺术，已把“素描”上升到“道”的层面，不再用狭隘定义去匡待它。这样一来，整个绘画、艺术，都可归结为泛指一切的“大素描”。素描发展至今，慢慢扩大其属性，扩大在艺术中的形象设计理念作用，变成密码隐身。
素描是造型能力的体现，素描是美学思想最先的注入，我们要承认素描的多种表现，有时它们不在传统的范畴。比如丁乙作品是单单的线的交错，其线的长度、宽度等设计方法应是新形式的素描；比如徐冰创造的“汉字”，其改变的点画也可作为素描的一种，乃至它的悬挂方式，高低、宽窄、弧度、长短的设计，那种视觉不也是素描吗？再比如李向阳的“线场”构成、曲丰国的“彩线”排列，寻根溯源，还是隐循素描最基本的“三笔摆成大关系”的基础要求；胡项城的装置把老建筑的零部件重新组装，组合的依据是大小、疏密、节奏等视觉，最终没有离开素描给予的美学理念；陈箴的装置《圆桌会议》，视觉上也是素描，其“草图”画点、线，或是形象，还有文字，组合在一起就是一幅“素描”作品；赵无极的抽象表现浩渺的太空，那一团团、一丝丝的组合，也是有造型的，没有素描的认知是不行的；朱德群的抽象，我以为就是中国山水画的重新组建，这画中的素描感觉非常重要。
现当代的素描是从观察、分析、认知和图式意义去研究建立的。素描的造型意识从写生中获得感悟、灵智和营造审美情趣。线条是点在散步，大点、小点汇聚成面，是情绪的表达释放，点、线、面的组合是诗性的创造。素描的美不在于对自然的机械复制，而在于艺术家通过线条表达观念和意图，体现了艺术家对世界的观察和重构和情绪的表达。
卡夫卡在评论素描时，间接表达了对中国道家学说的共鸣。他欣赏素描中“虚实观”的运用，认为真正的艺术源于心灵的纯粹，这与道家“清”“纯”“真”的理念契合。素描的留白与简练线条，被他视为接近非现实本质的途径。卡夫卡认为素描能够捕捉人的内在轮廓，作为心灵的直接表达，而非仅仅依赖外部的透视。
尼采认为素描不仅是技术展示，更是艺术家情感的直接记录。素描是一种感觉，是眼睛与心与手之间的关系，是空间距离与时间的关系。
贡布里希强调艺术创作源于明确任务或观念，素描作为起点需聚焦形式问题。他主张艺术家应通过素描探索“形式”而非单纯模仿题材，这与现代艺术中“形式第一”的倾向一致，素描成为检验观念的工具。
从西方文艺复兴到现当代艺术，素描从注重写实转向探索形式潜能；素描的想象力、主观感受，在此过程中成为观念变革的载体。不管艺术如何改变形式，素描作为一种审美应始终贯穿其创作过程。
(黄阿忠，作者为上海文史研究馆馆员，上海大学上海美术学院教授、博导)
来源：文汇报
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